- Y si volvermos?...

- Para qué? Ya hay muchos medios, demasiados...

- Y?

- Digo que... la gente escucha la música que quiere en Spotx, YouT, la tele, la radio... etc...

- La radio, como antes, como siempre...

- Las IA... Claro, no tiene sentido una página que te cuente esto

- Pará, volvamos al principio, al la raíz, a ver: Para qué hicimos Alma del Rock?

- Porque queríamos...

- Pero si, ok, pero cual era el motivo para hacer eso hace... como...

- Un montón

- ...17 años

- No, a ver... 23 de julio de 2008, son 16 y chirola

- Una vida

- Un estudiante del secundario 

- Ok, el estudiante o 'estudianta'.. tiene idea de lo que se cuenta en AdelR?

- naa, pero tampoco le interesa

- Ahí tenes el "para qué".

- ´Vamo a vé', como dice el viejo...

- Ey! qué hacen 'llorando el pasado como vieja en matinee"??

- Te descubriste la edad viejito!!! 

"Libera tu mente y tu culo la seguirá" - EDDIE HAZEL

Volvemos tras larga ausencia... Y con qué material!!! no es pregunta, es admiración. Tomamos esta impecable nota de https://guitarsexchange.com/ con la autoría de Sergio Ariza bajo el título "Eddie Hazel, el heredero de Hendrix" que pueden desfrutar tambien en el sitio original https://guitarsexchange.com/es/unplugged/970/eddie-hazel/
Nuestra admiración hacia todo lo nombrado...

Principios de 1971, estudios United Sound Systems de Detroit, una banda de músicos, que parecen alienígenas recién salidos de una nave nodriza, están grabando su tercer disco. El líder e ideólogo de este variopinto grupo tiene unos acordes sobre los que quiere que su guitarrista improvise un solo, ambos han tomado LSD y parecen estar en otro planeta, antes de comenzar el guitarrista, que responde al nombre de Eddie Hazel, le pregunta al ideólogo, que se llama George Clinton, cómo quiere que toque. Su respuesta no deja lugar a dudas, "toca como si te acabaras de enterar de que tu madre acaba de morir". Durante los siguientes diez minutos Hazel entregará uno de los solos más emocionantes y espeluznantes de la historia. Un solo que va más allá de la comprensión racional, un solo cósmico, en el que se mezclan el dolor con todo el resto de emociones humanas. Un solo que podría haber firmado sin rubor la fuente de inspiración de Hazel, el mismísimo Jimi Hendrix, y que debería haber servido para garantizar la inmortalidad a su autor y poner su nombre a la altura de los mejores guitarristas de todos los tiempos...   

Edward Earl Hazel había nacido apenas dos décadas antes, un 10 de abril de 1950 en Brooklyn, Nueva York. Se crió en Nueva Jersey donde comenzó a tocar la guitarra tras recibir una de regalo de su hermano mayor. A los 12 años conoció a su amigo Billy 'Bass' Nelson con el que comenzó a tocar por los bares de la zona. No parecían ir a ninguna parte pero Nelson se sacaba un dinero extra limpiando la barbería que tenía George Clinton. Éste era el líder de una banda que comenzó con el doo wop y había ido evolucionando hacia el soul llamada The Parliaments. Era cinco cantantes, en el estilo de los Temptations, y en 1967 lograron su primer éxito con (I Wanna) Testify en un sello de Detroit. De repente Clinton se encontró con una canción entre los 20 primeros de las listas pop y un montón de ofertas para tocar, pero ninguna banda.  

Clinton fichó a Nelson y este recomendó de inmediato a Hazel, la semilla de Funkadelic se había plantado. En Filadelfia, mientras tocaban con Clinton, Hazel se hizo amigo del baterista Tiki Fulwood, y este se convirtió en el batería de la banda. Clinton seguía apegado al sonido Motown pero también le gustaba la naciente psicodelia, fue así como decidió renombrar a la banda de músicos que acompañaba a los Parliaments como Funkadelic. Cuando, tras problemas legales, Clinton perdió el derecho sobre el nombre Parliaments, decidió comenzar a grabar como Funkadelic, con su banda de músicos y los cinco cantantes de los Parliaments.  

Para ese momento su música había sufrido varios cambios, su traslado a Detroit les habia puesto en contacto con varios grupos de rock y Clinton le había comprado a Hazel un par de Marshalls enormes a los que ponían al máximo, por si faltara algo, el guitarrista había descubierto a Hendrix y estaba estudiando y absorbiendo su sonido. Abandonó su Gretsch por varias Stratocasters, incluida una Sunburst de finales de los 50 y otros tres modelos de los 70, y comenzó a definir el sonido de la banda, una especie de Sly & The Family Stone con Jimi Hendrix como guitarrista principal. El hecho de que las drogas lisérgicas circularan en grandes cantidades por la banda también ayudó a darles un sonido más rock y psicodélico.  

A finales de los 60 grabaron su debut, llamado simplemente Funkadelic, aunque no vería la luz hasta el 24 de febrero de 1970. I'll Bet You, una de las mejores canciones de aquel debut, es todavía puro soul funk en plan los Temptations de Cloud Nine, eso sí, lo que no tenían los Temptations (todavía) era a Eddie Hazel como guitarrista principal, aquí todavía no está tan desatado como en posteriores obras pero, aun así, su solo lleno de fuzz es el que le da el toque más distintivo a la canción.   

Es una primera obra notable pero es con el siguiente disco con el que la banda perfeccionará su sonido, el disco se llamaba Free Your Mind And Your Ass Will Follow (Libera tu mente y tu culo la seguirá), además de ser uno de los mejores títulos de la historia y la mejor definición posible del funk, es el disco en el que definitivamente Hazel se ve poseído definitivamente por el fantasma del Salvaje Ángel Azul. I Wanna Know If It's Good for You, es puro funk rock, el tipo de canción sobre el que se construyó la carrera de los primeros Red Hot Chili Peppers, su solo es demencial y agresivo, el pariente punk del Voodoo Child de Hendrix. La canción titular es una locura psicodélica en cuya realización tuvieron que correr litros de LSD y en la que se hace notar, y mucho, la nueva incorporación de la banda, el teclista Bernie Worrell, mientras que en Friday Night, August 14th Hazel interpreta un increíble solo con wah y en la extraordinariamente funky Funky Dollar Bill le añade el punto rock con su guitarra, nuevamente pasada por su querido wah.  

El disco se publicó en julio de 1970, ese mismo mes apareció Osmium, el debut de Parliament, básicamente la misma banda pero con otro nombre y otro sello discográfico. A mediados de los 70 Clinton comenzaría a grabar con los dos nombres, siendo Funkadelic la parte más rock y Parliament la más funk. Eso sí, en este momento su sonido era bastante similar, con un Hazel pletórico en canciones como I Call My Baby Pussycat.  

Un año después aparecería la obra maestra de este primer periodo, Maggot Brain de Funkadelic, fue en este disco donde apareció la canción de la que hablaba al principio de este artículo, el cénit de la carrera de Hazel, una canción a la que Clinton editó, quitando casi al resto de músicos, menos la guitarra arpegiada de Tawl Ross, y metiéndole todo tipo de efectos a la guitarra de Hazel, como phasers y flangers. Eso sí, Maggot Brain va mucho más allá de su canción titular, con temazos como Can You Get To That, una maravilla de rock acústico, con un punto doo-wop y reminiscencias gospel, Hit It and Quit It, un perfecto vehículo para Worrell, con un gran riff de Hazel, que hace de vocalista principal y muestra que lo del funk rock estaba inventado mucho tiempo antes de que aparecieran los de Flea y Anthony Kiedis, o Super Stupid, una canción de la que se puede sacar la carrera entera de Lenny Kravitz, con otro solo alucinante por parte de un Hazel que suena como el heredero real de Hendrix, y es que esta canción suena a esa mezcla que buscaba el mítico guitarrista entre el rock y el funk en su último disco. La huella de Hendrix es normal si tenemos en cuenta que el autor de Electric Lady falleció poco antes de que se comenzara a grabar este disco.   

El problema fue que Hazel, Nelson y el resto de la banda, menos Worrell, creyeron que Clinton no estaba repartiendo bien los beneficios y decidieron marcharse en el mejor momento. Clinton los sustituiría por varios de los miembros de la banda de James Brown, entre ellos el fundamental Bootsy Collins. Hazel entró en una fase de peligroso consumo de drogas y acabó en prisión un año, después de agredir a una azafata en un vuelo, bajo los efectos del polvo de ángel. Aun así, en el disco de 1972 de Funkadelic, America Eats Its Young, se le puede escuchar en la maravillosa Miss Lucifer's Love, una pieza psicodélica con mucho fuzz y mucho amor por los Beatles.   

En 1974 se produjo su momentánea vuelta a Funkadelic con Standing on the Verge of Getting It On, un disco en el que aparece en los créditos como co compositor de todas las canciones del mismo. Puede que sea el disco en el que mejor suena con joyas como Good Thoughts, Bad Thoughts, la pariente desconocida de Maggot Brain, una canción en la que Hazel vuelve a enseñarnos su alma a través de las notas de su guitarra, o la demoledora Red Hot Mama, otro trallazo de funk rock. Después de esto sus apariciones con la banda serán esporádicas, tanto en estudio como en directo, aunque todavía quedarán cosas tan jugosas como las espléndidas Good To Your Earhole o Comin' Round the Mountain, canciones en las que se puede ver hacia donde se estaba encaminando Jimi Hendrix cuando murió.   

De todas formas no se estuvo quieto, a mediados de los 70 comenzó a colaborar con los Temptations, el grupo que había inspirado a los Parliaments, y hasta llegó a escribir para ellos uno de sus últimos sencillos de éxito, la funky Shakey Ground, en la que también toca la guitarra, mientras su amigo Billy Nelson hace lo propio con el bajo. En 1977, con ayuda de varios miembros de Funkadelic/Parliament, grabó su único disco en solitario, Game, Dames and Guitar Thangs, en el que destacaban sendas versiones de California Dreamin' y el I Want You (She's So Heavy) de los Beatles. Para ese entonces, como se puede ver en la foto de portada, Hazel tocaba una Les Paul Black Beauty y como amplificadores utilizaba unos combos Music Man HD 120.  

A pesar de no tocar en los discos más famosos, y más vendidos, del colectivo, el Mothership

Connection de Parliament y el One Nation Under A Groove de Funkadelic su alargada sombra como el tipo que definió el sonido de los segundos fue enorme. Todos los guitarristas que pasaron por la formación como Garry Shider, Ron Bykowski, Dewayne McKnight o el excepcional Michael Hampton se tuvieron que enfrentar a la prueba de fuego que suponía tener que interpretar Maggot Brain en directo, a pesar de la enorme calidad de todos y cada uno de ellos, ninguno superó al original.   

Problemas de salud le fueron retirando poco a poco de los escenarios, aunque siguió colaborando esporádicamente con Clinton en varios de sus proyectos y su nombre fue cayendo injustamente en el olvido. En el último año de su vida volvió a casa de su madre tras pasar una temporada sin hogar y sin nada de dinero. Una vez de vuelta a donde todo empezó, en Nueva Jersey, las ofertas aparecieron, una posible reunión de los Funkadelic originales y una todavía más significativa, un posible power trio junto a Billy Cox y Buddy Miles, con Hazel tomando el papel de Hendrix en la Band of Gypsys, algo a lo que tenía derecho como el heredero espiritual del guitarrista de Seattle, el hombre que nos permitió escuchar como hubiera sonado Hendrix si hubiera seguido profundizando en sus raíces negras.   

Pero nada de eso se materializó y cuando murió, un 23 de diciembre de 1992, con apenas 42 años, su nombre era solo un recuerdo, a pesar de haber sido la inspiración para guitarristas de la talla de Prince, John Frusciante, Hillel Slovak, Buckethead, Vernon Reid, Mike McCready o J Mascis.   

Eddie Hazel fue, en definitiva, un visionario absoluto que merece un reconocimiento mucho mayor del que tuvo. Un guitarrista capaz de tirar la casa abajo en sus momentos más salvajes, dejando bien claro que una banda de funk puede tocar rock, y de removerte el corazón en los más íntimos, llegando a lo más profundo del alma. Algo que pudo comprobar su propia madre, Grace Cook, cuando en el funeral de su hijo sonó Maggot Brain y pudo poner sonido a eso que le estaba pasando, cuando se te rompe el alma y lo que más quieres deja de existir.    

Fuente: https://guitarsexchange.com/es/unplugged/970/eddie-hazel/

Fotos: https://guitarsexchange.com/es/unplugged/970/eddie-hazel/

Videos: https://www.youtube.com/watch?v=q2MbFCF-ugc&t=14s

Recomendamos fuertemente visitar https://guitarsexchange.com/ !!!

Escucha en Spotify: Miss Lucifer's Love  -  Good To Your Hearhole

EL ADIÓS A JERRY LEE (1935 - 2022) - 'Un hijo de... que tocaba el piano'

Murió The Killer y compartimos la nota de Cristian Vitale publicada el 29/10/2022 en Página 12

https://www.pagina12.com.ar/493259-el-adios-a-jerry-lee-lewis-el-demonio-rubio-del-rock-and-rol

La presente nota es propiedad de Página 12 y de su autor Cristian Vitale (Periodista y Docente). Se reproduce aquí con la sola finalidad de la difusión de nuestra música del Alma.

El autor de  “Great Balls of Fire” tenía 87 años

El adiós a Jerry Lee Lewis, el demonio rubio del rock and roll

Tuvo una vida caótica, atravesada por escándalos sexuales, violencia de género y problemas con las drogas y el alcohol. En los años 50 le imprimió adrenalina y hedonismo al nuevo género musical. 

Por Cristian Vitale

29 de octubre de 2022 - 00:52

   Jerry Lee Lewis tuvo pocos años de estrellato y muchos de ostracismo. 

Durante la mañana del viernes se encendieron las alarmas del mundo occidental y (no tan) cristiano. Tras 87 años de alocada, sufriente y violenta vida, dejaba su existencia física Jerry Lee Lewis. El último suspiro lo encontró recostado en la cama de su hogar de Mississippi, acompañado por Judith, su última mujer. El parte final dijo “causas naturales”, pero los antecedentes daban un derrame cerebral en 2019, una úlcera perenne y profunda; y una vida, claro, tremenda. Digna de un héroe primigenio del rock and roll, con todos sus bemoles colaterales.

Vaya entonces del averno que arrope ese cuerpo decaído y afiebrado de quien temprano nomás se hacía llamar “The Killer”. Vaya de quien ose perdonar sus afrentas border y mozas dentro de un sistema moral que se pensaba inmutable. De lo menor a lo peor. De lo más perdonable, incluso, a lo menos porque, claro, cuesta mucho soportar que se haya casado con una niñita de 13 años llamada Myra Gale Brown, y que encima era su prima, cosa seria para el infierno.

Y cosa seria para su vida profesional de entonces, que determinó no solo el comienzo de un largo ostracismo desde 1958 (censuraron sus temas, prohibieron sus shows, etc), sino el paso epocal, sistémico, de un rock and roll ríspido, picante, rompedor, a otro más endulzado, inofensivo, que gobernó durante fines de los cincuenta y principios de los sesenta, hasta que los Stones, los Who, los Kinks, o los mismísimos Beatles decidieran cortar con la dulzura.

Ese Lewis cuyo descenso fue entre alcohol y drogas; entre problemas con la ley y líos con mujeres, que llegaron a imperdonables maltratos para con algunas de ellas, como el sufrido por la propia Myra, que terminó divorciándose de Jerry Lee alboreando los setenta. O el de Jaren Pate, cuarta esposa y otra víctima de su locura, que murió ahogada en una pileta de natación, a principios de los ochenta. O el de Kerrie McCarver, que pidió a los gritos divorciarse de la ex estrella de rock and roll, por las palizas que recibía de su parte.

Caótica vida la de Jerry Lee, que sumó otro de sus peores peldaños cuando Steve Allen Lewis, su hijo de 3 años, se ahogó en 1962; además, un accidente automovilístico acabó con la joven vida de otro de sus vástagos, Jerry Lee Junior --tenía 19 años— en 1973.

Con todo, Jerry Lee fue un pionero del rock and roll, qué duda cabe. Tal vez no haya tenido la gravitación extra género –comercial-- de un Elvis Presley, pero sí hizo aportes que rompieron con todo lo anterior. Mencionar “Great Balls of Fire” y “Whole Lotta Shakin’ Goin’ On”, alcanza. También una fantasía al paso: váyase a saber si a Jimi Hendrix se le hubiese ocurrido prender fuego o hacerle el amor a su guitarra, si este bendito demonio rubio no hubiese incendiado su piano, en el trance piromaníaco que le habilitaban sus grandes bolas de fuego.

De lo musical, nada de dulce de leche, entonces. La década del cincuenta fue lo que fue, entre otras cosas, porque el tipo bancó la parada. Y la bancó bien. Dureza. Ruido frenético. Hedonismo. Energía. Nada de preguntas existenciales y baladitas con almíbar. Para eso había otra gente. Lo suyo era rock and roll en estado puro. Semilla de maldad. Al menos hasta que una decadencia motivada por causas propias y ajenas predichas terminó reconvirtiéndolo en un cantor con olor a alcohol y aires de country, tal como expresan temas como “She Still Comes Around” o “She Even Woke Me Up to Say Goodbye”, "Me and Bobby McGee" o "To Make Love Sweeter for You"

Por lo demás, el sosiego, la calma recién llegaron a su vida en un momento tan tardío como el siglo XXI. No todo fue como durante su única visita a la Argentina –1992, en el Gran Rex— cuando, descontentos por apenas cincuenta minutos de recital, fans criollos terminaron destrozando butacas, vidrios y todo lo que había en el camino. En las antípodas de ese lapsus, más bien, el viejo lobo rocker terminó invitando a su disco de 2006 (Last Man Standing), a Mick Jagger, Bruce Springsteen y B.B. King, algo que repetiría cuatro años después con el mismo Jagger, Keith Richards, y Sheryl Crow para Mean Old Man.

Jerry Lee había nacido pobre en Ferriday, Louisiana, en septiembre de 1935. Se había formado musicalmente escuchando entre el góspel, blues y boogie-woogie, todo lo que hay en el medio; había aprendido a tocar el piano a los 10 años; había –obviamente—fracasado como predicador en una iglesia pentecostal de su pueblo; y había sido tempranamente fichado por el todopoderoso Sam Phillips para la Sun Records, donde conoció a la santísima trinidad de las músicas del diablo: Chuck Berry, Little Richard y Carl Perkins.

Todo lo que le pasó después, más allá de este muy breve esbozo, pervive impecablemente retratado en dos films. Uno se llama Great Balls of Fire, y es una biografía fílmica estrenada en 1989, con Dennis Quaid, haciendo de él. Otro, Trouble in Mind, documental casi flamante dirigido por Ethan Coen. También hay un jugoso libro llamado Jerry Lee Lewis: His Own Words, escrito por Rick Bragg. Y hay una entrevista para la revista Time, donde un veredicto propio --muy ajustado a la verdad de su vida, por cierto— lo rescata sincero y brutal: “Soy un hijo de puta que toca el piano”.

Fuente: Cristian Vitale para Página 12 

Link: https://www.pagina12.com.ar/493259-el-adios-a-jerry-lee-lewis-el-demonio-rubio-del-rock-and-rol

Fotos: Página 12 y google

Video: Youtube - Classic Hits {Stereo}

https://www.youtube.com/watch?v=F569_t2jCio

LA RENGA "Alejado de la red"

Nos alegra, nos emociona, por eso lo compartimos. Aguante LA RENGA! fieles exponentes de nuestro Rock Nacional. Publicado en Telam Digital, el 08-05-2022

La Renga brilló en La Plata y cerró sus recitales con los clásicos históricos.

 La banda cerró la gira presentación de su último disco "Alejado de la red" en el Estadio Único y no faltaron canciones como "Detonador de sueños", "El final es en donde partí" y "La razón que te demora", que hicieron estallar a los fans en una noche inolvidable.

Telam SE

08-05-2022 | 11:28

  "Chizzo" en el recital en La Plata. Foto Osvaldo Fantón

Con la celebrada inclusión en su repertorio de algunos grandes clásicos que no habían sido parte de los shows anteriores, como el caso de "El revelde", "Balada del diablo y la muerte" y "Hoy voy a bailar a la nave del olvido", La Renga cerró en la noche del sábado su ciclo de tres conciertos en el Estadio Ciudad de La Plata, en el marco de la gira presentación de su último disco "Alejado de la red".

A lo largo de dos horas y media, el trío integrado por Chizzo Nápoli, Tete Iglesias y Tanque Iglesias echó mano a un demoledor set de unas 30 canciones, entre las que incluyó prácticamente todas sus nuevas composiciones y los temas que lo convirtieron en uno de los números más convocantes del rock argentino.

"Que lástima que es el último de La Plata ya van a venir otros", dijo Chizzo al público al promediar el show, acaso como prueba de lo positivo que resultó para el grupo esta experiencia de volver a tocar en una zona cercana a la Capital, en donde no actúa desde 2017.

La expectativa comenzó a palparse desde temprano en los alrededores del estadio y, con la apertura de puertas a media tarde, se trasladó también a su interior, en donde Los Extraterribles, Perro Indio, Willie Quiroga y Sueño de Pescado animaron la espera.

El público bailó al comás de los cásicos. Foto: Osvaldo Fantón

Finalmente, a las 22.08, el grupo irrumpió en escena con "Buena pipa" y "Elefantes pogueando", dos temas de su nuevo disco, para luego sacudir a la ya excitada audiencia con "Tripa y corazón".

En el recorrido, que tuvo su primer cierre dos horas después y se extendió otra media hora con los bises, no faltaron canciones como "Detonador de sueños", "Arte infernal", "El final es en donde partí" y "La razón que te demora", entre otras.

Para los bises quedaron los coreados "Somos los mismos de siempre", "Panic Show", "El viento que todo empuja" y "Hablando de la libertad".

La Renga cerró su ciclo de tres conciertos en el Estadio Ciudad de La Plata. Foto: Osvaldo Fantón

Habló de los abusos a mujeres en recitales

Antes de interpretar "Arte infernal", Chizzo se hizo eco del movimiento conformado por fans mujeres "Un paso atrás", que visibiliza abusos sufridos en recitales en medio de los pogo, y se sumó a los reclamos para que puedan sumarse a este ritual sin temor a ser víctimas.

A tono con ese deseo, el propio guitarrista y cantante organizó entre el público una rueda exclusiva para el pogo de mujeres en el tema siguiente.

Los fans de "La Renga" coparon las calles de "La Plata". Foto: Osvaldo Fantón

Ocurre que estos conciertos de La Renga habían encendido las alarmas debido al largo historial de cancelaciones que arrastra el grupo, siempre a raíz del resquemor que despierta en autoridades la cantidad de público que moviliza.

En tal sentido, estos conciertos de La Plata fueron muy comentados por la opinión pública a partir de la queja de los vecinos en los medios de comunicación por el comportamiento de los fans.

En medio de esos cuestionamientos, sobre todo cuando se hablaba de suspensión de clases y cierres preventivos de comercios por el recital, el grupo debió suspender el segundo concierto previsto para el pasado 27 de abril a raíz a un estado gripal de Chizzo, lo que generó alguna confusión hasta que se aclararon las cosas.

Fue en el marco de la gira presentación de su último disco "Alejado de la red". Foto: Osvaldo Fantón

Lo cierto es que luego de los shows del 23 y 30 de abril, anoche finalmente se pudo completar de manera más que óptima la saga.

Más allá del ruido de fondo, La Renga logró concretar el viejo anhelo de actuar para la gente de Buenos Aires y sus alrededores, y ahora continuará girando por todo el país. La leyenda continúa.

Publicado en: https://www.telam.com.ar/notas/202205/591875-la-renga-recital.html

Fotos: Telam / Osvaldo Fantón

 

Dusty Hill (19/05/1949 - 28/07/2021)

 Se fue el bajista y fundador de ZZ Top, el 28 de Julio 2021. Un grande que extrañaremos.

ZAPAR - Cuál es el origen?

 Te preguntaste alguna vez por qué se dice "zapar", "zapada"? Los Bomberos Zapadores, se juntan a hacer música en el cuartel? Visitamos a Bruno Weinstein's Random Rock Radio y compartimos esta interesantísima información. Que la disfruten y les recomendamos fuertemente visitar https://bwrrr.blogspot.com/?m=1

miércoles, 23 de septiembre de 2015

De dónde viene? Cuál es el origen de la palabra "Zapar"?

Hace un tiempo me definí como músico de zapada. Encuentro en el hecho de tocar espontáneamente el verdadero goce y disfrute de la música. Es cierto que cuando uno ensaya una obra y trabaja mucho sobre una misma pieza, el ensamble final y ajustado de los músicos, haciendo cada uno su parte, hace que la cosa se vaya y tome un cuerpo y estado propio. La canción, el tema nace. Pero la zapada tiene magia, esa es la principal diferencia. Que todo lo que se arma y sucede es espontaneo. Tiene que ver con lo que se siente y lo que se va construyendo. Es un circulo vicioso, una retroalimentación constante que va evolucionando en el tiempo en función de la comunicación tácita de los ejecutantes de turno, que en muchos casos, nunca se habían visto antes.

Ojo, puede salir como la mierda. Y en general, esas son las zapadas que se graban. Las mágicas, las perfectas, las que todo cierra y se abre perfecto, no. Se desvanecen, ni si quiera quedan en la memoria de los músicos. Solo queda un recuerdo sensorial de lo que experimentamos mientras sucedía la música. Lo que si pasa mucho es que alguna idea que haya salido de esa creación sea la semilla que germine un nuevo tema a desarrollar.

Todo muy lindo pero... ¿de donde viene el termino "zapar"? Porque sabemos que tiene que ver con la improvisación musical, pero no es exactamente improvisar. Implica más. Es improvisar sintiendo, llevar el clima musical, pero no tipo free jazz que tiene estructuras. Acá en el rock la única regla es vibrarla todos juntos por el mismo lugar. Y bien lo define el verbo "zapar" aunque su aplicación tiene un origen misterioso.

Si uno busca en el diccionario, el verbo "zapar" existe y encuentra esto:

zapar.

1. intr. Trabajar con la zapa (‖ pala).

zapa1.

(Del lat. sappa, escardillo).

1. f. Especie de pala herrada de la mitad abajo, con un corte acerado, que usan los zapadores o gastadores.

2. f. Mil. Excavación de galería subterránea o de zanja al descubierto.

caminar a la ~ los sitiadores.

1. loc. verb. Mil. Avanzar reguardados por las galerías o trincheras que abren ellos mismos, o al amparo de las fortificaciones que sitian.

Analizando el significado de éste verbo "zapar", se pueden esbozar algunas especulaciones;

¿tendría algo que ver con tocar música improvisada bajo el efecto de cocaína y la "pala"? o con el hecho de estar encerrados en salas, sótanos subterráneos, por horas tocando? o tendrá alguna referencia a caminar la vereda de la estación Once de Septiembre, en la esquina de La Perla y "avanzar reguardados por las galerías o trincheras que abren ellos mismos"? o a las noches interminables de La Cueva "al amparo de las fortificaciones que sitian"?

La verdad, no lo se, pero al romanticismo de la arqueología del rock nacional, le queda hermoso.

Foto: Héroes!

Buceando en Internet, solo se encuentran teorías y supuestos, como ésta que me pareció muy interesante que dice que el origen del uso de la palabra zapar, aplicado a una improvisación colectiva, puede llegar a venir de la "minga", costumbre muy extendida en las zonas rurales desde la época colonial, cuando los paisanos se juntaban para ayudar a otro en la zapa de su terreno y así ayudarse mutuamente. Zapar un terreno es básicamente remover la tierra una vez hecha la cosecha y prepararla para el próximo cultivo. Lo mismo hacían cuando alguno tenía que construir un corral o algo que representara cierto esfuerzo grande: el dueño de la tierra armaba una comilona acorde a sus posibilidades y los vecinos lo ayudaban. Podemos imaginar la presencia de vino y alguna guitarra en estos encuentros. En síntesis, la zapada en el campo era un trabajo colectivo al igual que lo es en la música. Otro propone que puede venir de la similitud de la zapa con la guitarra (Argentina es un país de mucho campo y este instrumento es bastante común en todos lados). Una asociación bastante libre porque en lo único que se parecen es que ambas tiene mango.

Lo curioso es que el termino "zapar" para referirse a las juntadas de improvisación de rock, es exclusivamente argentino. En otros lugares del mundo, incluso hispano parlantes, se le dice "jam" o "jam session", como en inglés. Los cubanos le dicen "descarga" y los franceses "bœuffer" que viene de la expresión francesa "faire un boeuf" (en español "hacer una ternera"). Viene de un restaurante que se llamaba "Le boeuf sur le toit" donde se daban funciones de música improvisada. O sea que el término nace del contexto concreto de donde sucedían las zapadas. Rolando Castello Jr. baterísta del mítico Aeroblus (Pappo, Alejandro Medina) me dice que en brasil se dice "jam" como en inglés.

Buscando en la web las palabras "zapar" y "zapada" di con todas estas teorías y con algunos datos interesantes. Por ejemplo me topé con un libro del periodista español Juan Cueto llamado "'Yo nací con la infamia. La mirada vagabunda" donde hace una critica sobre la influencia cultural que implica el avance de la tecnología. En un fragmento habla del "zapping", la costumbre de cambiar rápidamente los canales de la TV sin profundizar en el contenido de los programas, solo hacer una deducción fugaz e inconsciente de lo que va el programa tomando unos pocos fotogramas como única y escueta referencia. El libro dice:

"El zapping se ha convertido en el modo habitual y civilizado de enfrentarse a la pantalla. Por eso hay que encontrar un término nacional para nombrar en nuestra lengua este acto, la nueva manera de mirar, seguramente una manera de vivir. [...] La solución podría ser "zapar", viejo verbo castellano de origen militar que equivale a excavar una zanja, es decir, a cortar un espacio, y que también suena a boicoteo (trabajo de zapa). No está mal. Pero el zapping no sólo es labor de zapa contra una cadena, desintegración de imágenes, corte de mangas contra un espacio, acto de zanjar. Sobre todo es salto, cambio frenético, mezcla de imágenes..."

Si bien lo que hace el autor es vincular dos términos solo por la similitud sonora que tienen, lo que necesita es describirlos bien para poder oponerlos y concluir que, en este caso, no son sinónimos. Pero es interesante ver si podemos relacionar lo que dice sobre el verbo original "zapar", con el acto de improvisación musical. Dice que zapar equivale a cortar un espacio. Aplica perfectamente ya que las primeras zapadas de rock las hacían los jóvenes de mediados de los 60 como parte de su personalidad de revolución cultural y "corte" de las costumbres de los "grandes". Habla de boicot; el origen del rock nacional tuvo mucho de crítica y protesta contra el sistema y la política nacional. Termina utilizando el verbo "desintegrar" que también se relaciona con la "zapada" ya que muchas de estas empiezan tocando un tema conocido o al menos su riff, melodía o base y se termina desintegrando y reconstruyendo en una música nueva. La verdad es que las profundidades del verbo "zapar" como actividad de campo, mucho tienen en común con ciertos ideales y principios de la "zapada" musical.

El primer registro oficial de éste término en la jerga del rock argentino quedó impreso en el disco "Pescado 2" de Pescado Rabioso con el tema Señorita Zapada en el año 1973. O sea que la palabra se acuñó al menos 1 año antes, durante la grabación del disco.

Lo respuesta más común que disparan muchos ante este interrogante es que viene del apellido del gran músico norteamericano Frank Vincent Zappa. Ademas todos sabemos que va con Z pero con una sola P y naturalmente, suena a Zappa, quien era un artista sumamente experimental. Puede asociarse tranquilamente, pero para estar mas seguros, consulté a algunos dinosaurios del rock a ver que data me podían aportar sobre si es un concepto campestre adoptado por los jóvenes metropolitanos de mediados de los 60 o si, efectivamente, la magia compositiva de Frank Zappa puede definir algo tan argentino como el dulce de leche.

Ric Ache, cantante de Hiperimpulso, histórico del underground. Ha compartido fechas con Sumo y Soda Stereo en el Einstein. Habitué del Parakultural, ha trabajado con los Moura en Virus. El me cuenta que escucha el término aproximadamente desde el 66 "Maso por mi edad, porque bromeábamos por el que mandaba fruta hablando que zapaba. En el jazz de los 50, que mi viejo me llevaba a ver bandas de hot jazz, no se usaba" sostiene. Sus dichos coinciden con el debut de Frank Zappa y los Mothers of Invention con el álbum "Freak Out". "En 1966 lo odiaba, me parecía un nabo. Desde Hot Rats (1969) lo escuché, me gustó la tapa". Me cuenta que recuerda claramente a Vox Dei decir en un momento de su show en el festival BARock de 1969 "este tema lo zapamos un poco". Si bien reconoce y sabe que Zappa utilizaba la improvisación como recurso creativo, no puede defender que de ahí venga la expresión "la verdad que no se de donde vino, y por mas que Zappa era término de "improvisador" o "loco" no registro que ese sea el origen".

Mi viejo, Rubén Weinstein, músico, melómano, coleccionista de rock, gran conocedor de los discos argentinos en general, participe en la gesta del rock nacional, dice que viene directamente de Frank Zappa. Que después de ensayar y tocar se quedaban "zapando" o en los bares donde frecuentaban aparecían las guitarras y se ponían a "ver que salia" entre todos. Según mis investigaciones, el primer disco, o el mas conocido acá fue Hot Rats de 1969. Es el primero que se le vino a la mente a mi viejo cuando lo consulté. Pero Chunga's Revenge (1970) fue el que instaló a Zappa en la cultura rockera argentina. Ahí tenemos varios años de diferencia. Otro dato que me aporta es que "los tangueros zapaban" pero no se acordaba bien, aunque retengan este dato porque no es menor.

Ahora, vamos a analizar la discografía de Frank Zappa hasta 1972 a ver si podemos linkear su estilo con el hecho de improvisar rock.

Como decíamos el primer disco de Frank Zappa fue "Freak Out" de 1966 y si bien es un disco rockero, efectivamente podemos encontrar algo de zapada experimental, por ejemplo, en el último tema The Return of the Son of Monster Magnet. Su segundo disco "Absolutely Free" es una locura experimental libre, como lo indica su titulo, tomemos de ejemplo el tema Invocation & Ritual Dance of the Young Pumpkin. Un detalle de este disco es que cuenta con la voz de Terry Gilliam, miembro de la troupe Monty Python en el tema America Drinks & Goes Home. "Lumpy Gravy" Ya es una obra concreta de dos partes o actos cual música clásica, no creo que haya nada de improvisado en la creación de este disco.

"We're Only in It for the Money", otra obra experimental maravillosamente craneada. Denuncia ya desde la tapa y con los temas el interés comercial de los Beatles  y otros conjuntos de la época al hacer música. Eric Clapton aporta con su voz en los temas Are You Hung Up? y Nasal Retentive Calliope Music.

En "Cruising with Ruben & the Jets" nos encontramos con baladas de rock onda 50s. Conceptualmente no son los Mothers, es otra banda, Ruben & The Jets, algo así como los Beatles personificando la Sgt. Peppers' Lonely Hearts Club Band que parodia Frank en el disco anterior. Cliché clásico total hasta para esa época. Solo el ultimo tema podríamos decir que es una zapada de rock y con casi 5 minutos es el más largo del disco.

Con solo escuchar el comienzo de su siguiente disco "Uncle Meat" ya voy despejando cada vez más las dudas. La linea del xilófono de Artie Tripp es magistral y el ritmo de la batería es casi armónico en este caso, aunque parezca imposible. Sobria piscodelia. El tercer tema Nine Tipes of Industrial Pollution si, es una zapada, indiscutible, cuelgue total de 6 minutos. El tema que le sigue es locura, perfectamente pensada, aunque parezca de ácido, ya que Frank no consumía drogas. Es un disco absolutamente vanguardista.

Y así llegamos a "Hot Rats", podríamos decir, el primer disco donde Zappa mete un hit con Peaches en Regalia.

Rock psicodélico clásico, cuelgues y wah-wah. Improvisación compositiva? Puede ser. Que discazo este! para mi se lleva todos los premios el bajista Max Bennett; la base de Son of Mr. Green Genes es una pintura. Improvisación cero. Pero después The Gumbo Variations es pura zapada con un impresionante solo de violín a cargo del gran Don "Sugarcane" Harris! estoy confundido...

"Burnt Weeny Sandwich", lindo disco. Parece una zapada controlada, dirigida. Sigue la linea de "Hot Rats". Es increíble como el tipo dibuja paisajes psicodélicos, que parecen tirados de los pelos pero no. En Hollyday in Berlin, casi se pueden ver los paisajes alemanes, la guitarra con wah-wah parecería estar relatando lo que vemos. Todo el disco es un paseo por el territorio germano, los títulos de los temas lo dicen todo. Hasta ahora, el disco que mas me gusta del Frank.

"Weasels Ripped My Flesh" es en vivo, muy experimental, altamente improvisado, no me va, pasemos a "Chunga's Revenge". Buen disco, tiene mucha zapada y mucha Zappada, en todos sus significados. "Waka/Jawaka" sigue la linea experimental mas rockera y bluesera, un poco lo mismo que "The Grand Wazoo" aunque éste parece mas trabajado y arreglado. El tema, o la pieza diría que abre el disco For Calvin (And His Next Two Hitch-Hikers), está perfectamente arreglada y estructurada, aunque tiene pasajes que parecen improvisados, al menos, en la construcción del tema. El cierre con Blessed Relief se siente exactamente eso, un relajo bendito. El sonido del rhodes ejecutado por el enorme George Duke, es simplemente perfecto.

Como vemos Frank Zappa era un músico de rock experimental muy exigente y meticuloso pero no por eso debemos confundir experimental con improvisado. Que parezca que es un pastiche, no significa que no esté pensado para que suene así. Ademas sabido es que Frank era un enfermo de la música. El trombonísta Bruce Fowler declaró a la revista Musician que Zappa "quería aprender. Era la clase de persona que no paró de aprender a los 25 como todos los demás. Simplemente devoraba música, era en lo único que pensaba". Y ni habar de lo jodido que era con los músicos que lo acompañaban, "Sin importar lo que los muchachos hicieran, y eso que abusaban totalmente de mi, no los despedía. Seguía incorporando gente nueva para que la música fuera cada vez mas interesante." Declaró a la revista Creem "Pero la banda siempre me tiraba abajo porque era su empleador. Si soy el tipo que paga las cuentas, cómo puedo ser también un ser humano? Tuve este problema con todas las bandas hasta que dije a la mierda, voy a buscar músicos que tengan el mismo interés por la música que yo, esos pibes no querían hacer nada" Hablando de las numerosas formaciones que tuvo Mothers of Invention.

En fin, podemos concluir que Zappa experimentaba bastante con la improvisación como recurso creativo y compositivo, pero él no era ningún improvisado, ningún colgado. Todo lo que pareciera improvisado estaba pensado para que así sea.

Así que como último recurso tuve la suerte de poder consultar con el padre del rock nacional (gracias a mi propio padre). El tipo que lo inventó todo, o por lo menos, fue uno de los primeros que lo hizo notar; el gran Litto Nebbia.

No hace falta que explique quien es este hombre que hace poco cumplió 50 años de carrera en el rock nacional (si, cincuenta) y lo celebró con un espectacular show en la sala Caras y Caretas al que tuve la posibilidad de ir. Acompañado por Daniel Colombres en batería, Gustavo Giannini en Bass, Daniel Homer en guitarra, Leopoldo Deza en flauta traversa y teclados adicionales y Los Reyes del Falsete en coros y algunas percus (flojo lo de estos muchachos...). En mas de 2 horas de show recorrió su medio siglo haciendo música tocando temas que van desde los primitivos Gatos Salvajes hasta sus últimas composiciones. Todo con la onda y soltura que caracteriza a este prócer del rock y la música popular argentina.

Cuestión que, como no podía ser de otra manera, Litto lo sabía y cerró todo. Se acuerdan que más arriba les dije que a mi viejo le sonaba que venia del tango? "los tangueros zapaban", efectivamente. Litto cuenta con conocimiento de causa, gracias a su padre (con el seudónimo artístico de Félix Ocampo, fue el primer cantante melódico argentino y llegó a actuar con la orquesta típica del maestro Miguel Caló), que los tangueros zapaban. Que el grupo era contratado para un show especifico y si la audiencia estaba agitada y la milonga necesitaba continuar, el dueño del bar les pagaba extra para que se queden tocando piezas improvisadas un rato mas. Entonces utilizaban el verbo "zapar" como sinónimo lunfardo de "trabajo"; "anoche nos quedamos zapando hasta las 3 de la mañana". No olvidemos que el tango, como dice en el Formulario de nominación del tango como patrimonio inmaterial de la humanidad de la UNESCO "...nació entre las clases bajas de ambas ciudades [Buenos Aires y Montevideo] como una expresión originada de la fusión de elementos de las culturas afroargentinas y afrouruguayas, auténticos criollos e inmigrantes europeos. Como resultado artístico y cultural de este proceso de hibridación, el tango es considerado hoy en día como uno de los principales signos identitarios del Río de la Plata." Entonces fueron los paisanos del interior que llegaban a Buenos Aires a mediados de siglo 19 los que traían del campo el verbo "zapar" como forma de mencionar el "trabajo". Y los músicos de tango lo utilizaban para referirse a las horas extras que hacían en las milongas. Porque, aunque todavía en el siglo 21 los músicos sigamos luchando para defender la tocada como un trabajo remunerado, para los músicos de verdad, tocar es un trabajo, aunque lo hagan por gusto y placer en primera instancia.

Conclusión:

El verbo "zapar" para referirse a la improvisación musical existe desde los orígenes del tango en las ciudades portuarias más importantes del país (Buenos Aires, Rosario). Los jóvenes habitantes de éstas, a mediados de los 60, lo adoptaron para hablar de sus propias sesiones improvisadas en el nacimiento del rock. De cualquier manera no descarto totalmente la influencia de Frank Zappa en el uso del término porque justo se da que el músico era de alto vuelto y experimentación, cosa que solo se puede hacer "zapando" y dejándose llevar. Entonces creo finalmente que es una muy grata coincidencia que deriva en una retroalimentación de la palabra. El hecho de haber tenido antiguamente una palabra que definía la improvisación musical que se parece mucho al apellido del músico de rock mas experimental de la historia. Nadie dice "vamos a beatlear" o "vamos a estonear" para referirse a zapar rock porque esos grupos claramente no lo hacían. Se dice "Zapar" con una sola P.

P de Piola.

...

Saludos

PD1: Le escribí un mail a Dweezil Zappa, hijo de Frank, para ver si sabía algo al respecto. Todavía no respondió...

PD2: Dato de color, en Rumano "Zapada" significa "Nieve".

Fuente: https://bwrrr.blogspot.com/2015/09/de-donde-viene-cual-es-el-origen-de-la.html?m=1

Fotos: Lo que se encuentra en la WEB

Muchas gracias Bruno Weinstein's Random Rock Radio

MUCHACHA OJOS DE PAPEL

Nos conmueve, nos pone a pensar y a sentir como se vivió el momento. Nos acaricia el alma y muchas veces, nos pega la piña para parar, mirar y seguir. Por eso, compartimos la publicación de Johan Bustos en el grupo Spinetta de Face...


Hablemos de Muchacha...
-Bueno.
-La Muchacha de la canción era Cristina Bustamante...
-Mi primer gran amor. Ella vivía en el mismo edificio de Emilio y por eso lo conocía de vista. A veces se juntaban los fines de semana a charlar en la puerta, pero sin pasar a ser más que conocidos. Pero una vez nos quedamos solos en la casa de Emilio, porque sus padres habían viajado, y entonces invitamos a las chicas a tomar algo, a bailar, una especie de asalto. Y ahí, por primera vez, me sentí enamorado. En realidad ya me había enamorado varias veces pero siempre habían sido amores imposibles de realizar por diferencia de edad, no sé, me enamoraba de las maestras, de las pibas más grandes y después no pasaba nada, obviamente.
Yo era un inepto absoluto en ese momento. Y bueno, todos esos pequeños amores desembocaron en un gran amor que fue el de esta muchacha ojos de papel, que fue un amor correspondido. Porque también ella me quiso mucho. Fue mi primer amor, mi primer gran amor, inolvidable amor. Y me inspiró una canción.
-¿Vos tenías idea que el tema fuera a golpear tanto en la gente?
-No, porque nada de lo que uno hiciera en ese momento podía tomarse para especular en eso. Pero la canción emocionaba al que la escuchaba, pasaba eso y punto. Y cuando la estrenamos en el Coliseo, fue tan rotundo el éxito de la canción que yo mismo lloraba, no lo podía creer. Aparte, el día que la estrené, por motivo de una rencilla que habíamos tenido, en la mitad de la canción ella se retiró del Coliseo. Yo cantaba la canción y la veía que se iba por el pasillo hacia el fondo. Ese tipo de cosas bien de pubertad, de 18 años. Amor.

-No debe haber mejor halago para una mujer que su amado le dedique una canción. Y tratándose de una canción como Muchacha, no me es difícil imaginar cómo se habrá sentido Cristina...
-Es cierto. Se dio vuelta. Aparte, ella la conocía de antes, yo se la había cantado para ella en forma personal. Pero cuando le arreglamos todos los coros y la estrenamos en vivos, fue tremenda la emoción que sentí. Imborrable. Yo lloraba arriba del escenario, porque sentí que toda la gente se conmocionaba con eso. Al instante. Después vino el éxito. Sentí que la canción traspasaba la gente, lo mismo que cuando estrené Plegaria o Figuración, Muchacha traspasaba la gente. Con Almendra me cansé de ver chicos y chicas llorando, de emoción o de felicidad.
-Después de aquella pelea y del Coliseo, el romance siguió.
-Sí, termina en el Blues de Cris: "Sus ojos al final olvidaré". El romance se fue deteriorando y tuve que tomar una determinación importantísima en mi vida, porque todas esas pasiones son muy intensas, y si bien uno tiene la adicción de amar, también tiene una cruz tremenda en soportar los embates de todas esas pasiones. Sobretodo cuando es muy joven y no tiene la cabeza tan fría, uno es poseído por eso y posee, y eso trae dolor cuando se desposee y se quitan los ropajes, se caen los roles y quedan los individuos solos frente a frente. Es el momento culminante para todo ser humano. Y para mí, el Blues de Cris fue como una auto-declaración de cambio de rumbo. Me fijé olvidar esa mirada, olvidar todo lo que me unía a ella, que en parte había sido, en ese último tiempo, muy doloroso. Y me dispuse a emprender otra vida, descubriendo otras mujeres, otros amores.
-¿Cristina te reprochó alguna vez que esa canción que vos le habías regalado, de golpe la hicieras pública y así permitieras que todo el mundo se adueñara de ella?
-No. Jamás me reprochó tal cosa. Al contrario, era feliz de que yo obtuviera un éxito a través de eso. Pero en general no quería que yo dijera que se trataba de ella.

Fuente: https://www.facebook.com/johan.bustos

INCREDIBLE STRING BAND

Hoy compartimos la bio de Incredible String Band publicada por AlohaCriticón.

En el año 1965 surgió este grupo escocés que amalgamaba misticismo, psicodelia y folk de raíz celta.

Su hipnótica música es acid folk, sonoridad que también ofrecían los Holy Modal Rounders o Tyrannosaurus Rex antes de convertirse en estrellas del glam acortando su nombre a T. Rex.

En principio el proyecto estaba integrado por tres personas: Mike Heron (nacido el 27 de diciembre de 1942 en Glasgow), Robin Williamson (nacido el 24 de noviembre de 1943 en Edimburgo) y Clive Palmer (*14 May 1943  Edmonton, North London  – 23 November 2014   Penzance, Comwall, Inglaterra)  

Tras su formación, la Incredible String Band comenzó a actuar en directo.

Después de uno de sus conciertos se les acercó el estadounidense afincado en el Reino Unido Joe Boyd (Fairport Convention, Nick Drake), quien se les ofreció como representante, grabando con su producción en el mes de junio del año 1966 y en Elektra su LP debut, “The Incredible String Band” (1966), disco con temas como “Maybe Someday”, “How Happy I Am” o “Good As Gone”.

Después de este álbum, Clive abandonó el grupo y se marchó a vivir a Afganistán, en donde se inició en la música oriental.

La verdad es que todo lo que rodeaba a la música folk de cualquier parte del mundo atraía a los componentes de la Incredible String Band.

Los sonidos celtas por supuesto pero también, y más en la época lisérgica, los sonidos procedentes del Este.

Así, su segundo LP, presentado ahora como dúo, contenía estos ecos orientales. “The 5000 Spirits or the Layers of the Onion” (1967), con una portada muy psicodélica y cortes como “Painting Box” o “First Girl I Loved”, confirmó a la pareja como una de las más sugestivas dentro del folk rock británico.

Recibidos con entusiasmo por la prensa británica consiguieron también conquistar al público con su trabajo más representativo, “The Hangman’s Beautiful Daughter” (1968), en donde su experimentación entre mitología celta, folk y psicodelia, alcanzó sus más altas cotas.

Este último disco apareció en las tiendas de discos en marzo de 1968.

Unos meses después, en octubre, editaron el doble álbum “Wee Tam and The Big Huge” (1968).

En este trabajo, dividido en dos en los Estados Unidos, sonaban los violines de sus novias, Rose Simpson y Licorice McKenzie, quienes se unieron oficialmente a la pareja.

Algunas canciones de este último disco son “Air”, “Job’s Tears” o (SIC) “The Yellow Snake”.

Tras actuar en el Festival de Woodstock, Incredible String Band publicaron su quinto LP, “Changing Horses” (1969), un disco con las extensas “White Bird” y “Creation” que decepcionó a sus seguidores.

En abril del año 1970 editaron “I Looked Up” (1970), álbum que tampoco convenció en demasía.

Mejor fue “U” (1971), LP con una sonoridad más eléctrica que en sus inicios que no logró revitalizar una carrera en declive a nivel comercial.

En este último disco, la Incredible String Band se había convertido en quinteto al incorporar como bajista a Malcolm Le Maistre.

En el año 1971 también apareció el directo “Be Glad For The Song Has No Ending” (1971) y “Liquid Acrobat As Regards The Air” (1971), con producción de Stanley Schnier y la colaboración de Stan Lee y Gerry Conway.

En 1971, Mike Heron debutó en solitario con “Smiling Men With Bad Reputations” (1971).

Un año después lo hizo Robin Williamson con “Myrrh” (1972).

“No Ruinous Fed” (1973) y “Hard Rope & Silken Twine” (1974), con Graham Forbes a la guitarra y Jack Ingram a la batería y Danny Thompson al bajo, fueron sus últimos trabajos antes de su separación y la continuación de las carreras en solitario de sus dos principales protagonistas, Heron y Williamson.

Mike publicó en el año 1974 “Mike Heron’s Reputation”, y (SIC) más tarde “Diamond Of Deams” (1977) y “Mike Heron” (1979).

Por su parte, Robin Williamson publicó “English, Welsh, Scottish, & Irish Fiddle Tunes” (1976), “Journey’s Edge” (1977), “American Stonehenge” (1978), “A Glint At The Kindling” (1979) o, dentro de una trayectoria muy prolífica como solista, “Songs Of Love And Parting” (1981).

En el año 2000, el trío original se reagrupó para girar en directo.

Robin Williamson abandonó rápidamente a sus compañeros y éstos, años después, volvieron a la actualidad con “Nebulous Nearnesses” (2004), en donde recreaban en estudio antiguos temas de la banda.

En el 2017 se editó el recopilatorio “Relics Of The Incredible String Band” (2017), publicado por Wounded Bird Records.

En el año 2018 se incluyó su canción “Air” en “Meet On The Ledge (A Taste Of Folk Rock)” (2018), un CD y doble vinilo con canciones de bandas como Fairport Convention, Jethro Tull o Forest.

En el 2019, el sello Grapefruit Records publicó “Strangers In The Room: A Journey Through British Folk-Rock (1967-1973)” (2019), triple CD en donde suena “Oh Did I Love a Dream”, una canción escrita por Malcolm Le Maistre que se escribió en el año 1972.

Discografía comentada en AlohaCriticón

The 5000 Spirits or the Layers of the Onion (1967)

The Hangman’s Beautiful Daughter (1968)

Fuente: https://www.alohacriticon.com/

* Alma del Rock

Video: The Incredible String Band - Empty Pocket Blues (Live 1970)

Felices Fiestas 2019 - 2020

Felicidades gente del palo!

MOTO ROCK 7 y 8 de DICIEMBRE - ONCE POR TODOS

 PARQUE GAZZANO - PARANÁ Entre Ríos.

Gracias Vale!